Warum Sie mit Martin Scorseses frühen Kurzfilmen beginnen müssen

Martin Scorsese ist nicht einfach so aufgetaucht. Er kämpfte sich aus den düsteren Straßen von Little Italy, New York, nach oben. Seit über fünfzig Jahren ist er der unangefochtene König des amerikanischen Kinos. Sicher, er hat die Oscars. Er hat den Ruhm. Aber sein wahres Vermächtnis liegt nicht in den Trophäen auf seinem Regal. Es steckt im Blut, Schweiß und den schweißbefleckten Hemden seiner Figuren.

Normalerweise springen wir zu Goodfellas oder The Departed. Wir warten auf die Gangster, die Explosionen, den Herzschmerz von Leonardo DiCaprio. Aber wenn Sie Scorsese – den echten – verstehen wollen, müssen Sie zurückgehen. Rückweg. Vor der Bluescreen-Technologie. Vor den Multi-Millionen-Dollar-Budgets. Zum rohen, wackeligen, schönen Chaos seiner Studienzeit.

Das beginnt mit einem Kurzfilm, von dem die meisten Menschen noch nie gehört haben.

Persönlichkeitskrise: One Night Only (1967)

Es ist jetzt kaum zu glauben. Doch im Jahr 1967 versuchte dieser 25-jährige Junge durch die Kameralinse, seinem eigenen Leben einen Sinn zu geben. Personality Crisis: One Night Only ist kein Spielfilm. Es ist ein Kurzfilm im Dokumentarfilmstil. Eine Skizze. Eine Stimmung.

Scorsese war damals Student an der NYU. Er war besessen von der Idee des „coolen“ Kerls. Der Typ, der denkt, er sei besser als alle anderen, aber innerlich auseinanderfällt. Der Film folgt einem jungen Mann – ein Stellvertreter von Scorsese selbst –, der mit Identität, Einsamkeit und dem Druck, in einem sich verändernden Amerika Männlichkeit zu zeigen, zu kämpfen hat.

„Es geht nicht um die Handlung. Es geht um den Puls.“

Warum das für Ihre Beobachtungsliste wichtig ist

Sie denken vielleicht. „Ich bin wegen Casino hierher gekommen, nicht wegen einer vierzigminütigen Studentenunterbrechung.“ Aber hör mir zu.

Dieser Film ist die Blaupause. Jeder folgende Scorsese-Film – die Schuld, die Erlösung, die auffälligen Anzüge, die einen gebrochenen Geist verbergen – beginnt hier. Sie sehen die Fingerabdrücke. Die Art, wie er das Gesicht umrahmt. Die Art und Weise, wie er Musik nicht nur als Hintergrund, sondern als Charakter nutzt. Die Musik hier ist vielseitig. Jazz. Felsen. Pop. Es ist chaotisch. Genau wie der Geist des Protagonisten.

Wenn Sie in Raging Bull einsteigen, ohne diesen Kontext zu verstehen, verpassen Sie die halbe Geschichte. Sie sehen das Ergebnis, ohne die Ursache zu erkennen.

Die Scorsese-Formel (In The Wild)

Wie lässt sich also ein dreißigminütiger Studentenfilm mit einem achtstündigen Epos wie „The Irishman“ verbinden?

1. Der Außenseiter : Scorseses Helden sind fast immer Außenseiter. Männer, die nicht reinpassen. Männer, die sich zu sehr anstrengen. Persönlichkeitskrise führt diesen Archetyp früh ein.
2. Die Schuld : Der Protagonist ist nicht böse. Er ist verloren. Er ist verwirrt. Diese Verwirrung ist der Motor aller Scorsese-Erzählungen.
3. Der visuelle Stil : Handkameras. Nahaufnahmen. Man hat das Gefühl, mit der Figur im selben Raum zu sein. Du fühlst dich unwohl. Gut.

Wo Sie anfangen sollen, wenn Sie neu sind

Wenn Sie in Scorseses bestes Werk eintauchen möchten, wählen Sie nicht nur das berühmteste aus. Wählen Sie diejenige aus, die angezeigt wird

Die Nacht, in der die Stadt in der Musik verschwand

Es ist Januar 2020. Die Stadt ist ruhig wie selten, und die Lichter sind gedämpft. Im Café Carlyle ist die Luft nicht nur feucht, sondern auch von etwas anderem geprägt. Es ist voller Vorfreude. Auf der Bühne gibt es ein beleuchtetes Bühnenbild, das im Schatten leuchtet. Dies ist nicht nur eine Aufführung. Dies ist eine Aufnahme eines Mannes, der mit seinen eigenen Geistern Frieden geschlossen hat.

David Johansen. Sie kennen ihn vielleicht als den wildäugigen Frontmann der New York Dolls. Oder vielleicht erinnern Sie sich an ihn als den schmierigen, klavierhämmernden Buster Poindexter. Aber hier? Hier ist er nur David. Eine Figur, die einfach durch ihre Echtheit die Herzen der Menschen erobert hat. Indem man verletzlich ist. Indem er sich von der Musik an einen gefährlichen und schönen Ort entführen lässt.

Ein Dokumentarfilm über verlorene Seelen und gefundene Rhythmen

Der Film ist ein Dokumentarfilm, ja. Aber es einen Dokumentarfilm zu nennen, fühlt sich an, als würde man den Ozean als nass bezeichnen. Es ist musikalisch. Es ist intim. Es ist ein Fenster in die Seele von New York aus der Sicht eines Mannes, der sich weigert, es loszulassen. Martin Scorsese und David Tedeschi haben bei diesem Stück Regie geführt, und man spürt, wie die Kamera atmet. Es urteilt nicht. Es schaut nur zu.

IMDb gibt einen soliden Wert von 7,7 an. Das ist kein Zufall. Das ist Anerkennung. Der Film erschien im Jahr 2022 und brachte diese Bänder für eine Generation ans Licht, die die Originalaufführung verpasst hatte. Es geht nicht nur um die Lieder. Es geht um die Menschen.

Wer ist die Zielgruppe hierfür?

Sie beobachten die New Yorker, die sich verirrt haben. Diejenigen, die ins Café kamen und nicht gehen wollten. Diejenigen, die etwas in Johansens Augen sahen, das ihre eigene Verwirrung, ihre eigene Freude, ihre eigene Verzweiflung widerspiegelte. Dies ist für die Fans des rohen, ungeschliffenen Rock’n’Roll. Es ist für alle gedacht, die sich jemals zu laut gefühlt haben, als es ihnen gut ging.

„Die Videos seiner Konzerte werden mit dieser Dokumentation veröffentlicht.“

Die Optik ist krass. Der Ton ist klar. Es braucht keine Politur. Es braucht Präsenz.

Warum Scorsese hier wichtig ist

Martin Scorsese. Ein Name, der normalerweise auf epische Kriminalopern oder lange Meditationen über den Glauben hindeutet. Hier ist er Co-Regisseur eines Konzertfilms. Warum? Denn Johansen ist die Stadt. Johansen ist die Geschichte. Man kann den Künstler nicht vom Ort trennen, ohne den Sinn zu verlieren. Scorsese versteht das. Er weiß, dass David, wenn er singt, für die Toten und die Lebenden gleichermaßen singt.

Die Leistung als Charakter

David Johansen ist die Hauptfigur. Er hat kein Drehbuch. Er hat eine Setlist. Er hat eine Stimmung. Er hat die Erinnerungen an Jahrzehnte in der Underground-Szene. Er spielt Klavier mit einer Brutalität, die in Zärtlichkeit umschlägt. Er singt mit einer Stimme, die zu viel gesehen hat und dennoch genug Hoffnung hat, um weiterzumachen.

Der Film zeigt, wie er sich in dem Lied verliert. Das ist keine schlechte Sache. Es ist das Ziel. Wenn ein Darsteller sich selbst verliert, findet sich das Publikum wieder. Es ist ein Handel. Ein heiliger Austausch.

Technische Details und Kontext

• Genre: Dokumentarfilm, Musical
• Erscheinungsjahr: 2022
• Bewertung:

Die eindringliche Rückkehr von „The Souvenir“

Es beginnt mit einer Fahrt. Eine Frau mittleren Alters und ihre ältere Mutter halten vor einem Haus, das weniger wie ein Zuhause als vielmehr wie ein Mausoleum für Erinnerungen aussieht. Sie treten ein. Auf den ersten Blick scheint alles normal zu sein. Doch während aus Tagen Wochen werden, wird die Stille in dieser leeren Villa immer bedrückender. Tief unter den Dielen verborgene Geheimnisse kommen ans Licht. Mutter und Tochter sind gezwungen, direkt auf die Dinge zu starren, die sie zu vergessen versuchten.

Dies ist der emotionale Kern von Joanna Hoggs The Unconventional (2022), einem Film, der sich wie eine Geistergeschichte ohne Geister anfühlt. Es geht nicht um Jump-Scares. Es geht um die Last der Vergangenheit, die auf der Gegenwart lastet. Das Haus selbst wird zum Charakter. Es ist schön, aber hohl. Trauer hängt in der Luft wie Staubkörnchen im Sonnenstrahl. Und die Situation verschlechtert sich nur noch. Je mehr sie graben, desto schlimmer wird es.

Joanna Hogg, die wegen ihres scharfen, beobachtenden Stils oft mit Martin Scorsese verglichen wird, inszeniert dieses Stück mit erschreckender Präzision. Sie erklärt nicht alles. Sie lässt die Spannung wachsen, bis sie abreißt. Das Ergebnis ist ein geheimnisvolles Drama, das aus gutem Grund mit 6,8 auf IMDb bewertet wurde. Es ist unangenehm. Es ist echt. Es ist sie.

Die Besetzung trägt das Gewicht

Man kann nicht über diesen Film sprechen, ohne über Tilda Swinton zu sprechen. Sie spielt Helen, eine Frau, deren Identität sich zusammen mit der Geschichte ihrer Familie aufzulösen scheint. Sie ist elegant. Sie ist distanziert. Sie hat Angst. Swinton handelt nicht; Sie existiert nur auf der Leinwand, und das ist noch beängstigender.

Ihr gegenüber ist Carly-Sophia Davies als Alison, die Tochter. Es ist eine Performance, die von Stille geprägt ist. Sie beobachten, wie sie versucht, eine Fassade der Normalität aufrechtzuerhalten, während das Fundament zusammenbricht. Dann ist da noch Zinnie Davies-Cooke als Mutter, deren Gebrechlichkeit ein scharfes, schmerzhaftes Bewusstsein verbirgt. Ihre Interaktionen sind spärlich. Ein Blick hier. Dort herrscht Stille. Dort lebt das Drama.

Warum das Haus wichtig ist

In The Unconventional ist das Setting nicht nur Hintergrund. Es ist eine Falle. Das Herrenhaus ist groß. Es ist leer. Es ist gefüllt mit Sachen, die Leuten gehörten, die jetzt nicht mehr da sind. Die Schönheit der Architektur steht in scharfem Kontrast zur Fäulnis darunter. Dies ist nicht nur ein Film über eine Familienfehde. Es geht darum, wie der Ort die Erinnerung prägt.

Hogg nutzt den Raum, um Unbehagen zu erzeugen. Es dauert lange. Weitwinkelaufnahmen. Leere Türen. Die Kamera verweilt bei Dingen, die man in einem schnelleren Film nicht bemerken würde. Ein Riss in der Wand. Ein Schatten in der Ecke. Es zwingt Sie dazu, sich nach vorne zu beugen. Es gibt Ihnen das Gefühl, etwas Privates zu sehen. Etwas Illegales.

Bei den Mystery-Elementen geht es nicht um Krimis. Es geht darum, was passiert ist. Und warum tut es immer noch weh? Die Antworten werden Ihnen nicht ausgehändigt. Sie müssen sie aus subtilen Hinweisen zusammensetzen. Ein veränderter Ausdruck. Ein versteckter Brief. Eine Veränderung im Ton.

Hoggs charakteristischer Stil

Wenn Ihnen The Souvenir gefallen hat, finden Sie hier vertrautes Terrain. Hogg hat einen bestimmten Rhythmus. Sie lässt Szenen atmen. Sie schneidet nicht ab, um die Unbeholfenheit zu verbergen.

İnşaat iskeleleri arasında hapsolmuş bir yapı. Toz, gürültü ve geçici yaşam alanları. Im Jahr 2022 wurde das Chelsea Hotel eröffnet.

Maya Deren und Amelie van Elmbt spielten in den Chelsea Hotel -Filmen, Martin Scorsese war ebenfalls dabei. IMDb ab Version 6.8. Kültürel bir mirasa dokunuyor.

1960er Jahre. New York ist eine Stadt der Welt. Dieses Hotel ist sehr gut ausgestattet und verfügt über einen guten Service. Andy Warhol. Bob Dylan. Patti Smith. Aramıza karıştılar.

Bugün ise farklı bir sahne. Tamir çalışmaları. Düzinelerce verrückt. Sie werden in der Lage sein, Ihren Aufenthaltsort zu erobern.

„Köklü bir kökeni keşfetmeye imkan bulabilirsiniz.“

Belgesel, otelin katlı salonlarında geziniyor. Canlı bir bedeni inceliyor. Geçmişi bugüne taşıyor.

Merle Lister gab sich zu Wort und fügte hinzu: Ihr Wunsch war es, etwas anderes zu tun. Her duvarın bir izi.

Kumarbazın son bahisini yaptığını düşündüğünüz anlar. Oteli yeniden canlandırmak mı? Was ist los mit mir?

Sorular cevaplanmadan, ekran kararıyor. Das Chelsea Hotel ist ein echter Glücksbringer.

Im Mittelpunkt der Geschichte steht William, ein junger Spieler mit einer Vergangenheit als ehemaliger Soldat. Sein ursprüngliches Ziel ist einfach: Er möchte nur an den Tischen sitzen und Karten spielen. Doch als er Cirk entdeckt, ändern sich die Dinge. Cirk ist ein ehemaliger Soldat, der entlassen wurde und nun Hilfe sucht, um sich an seinem Oberst zu rächen. William greift ein. Es geht nicht mehr nur ums Geld oder das Spiel. Er verbündet sich mit Cirk und findet einen mysteriösen Finanzier, der ihr Rachefeldzug finanzieren kann.

Das Gewicht der Vergangenheit

Der Roadtrip, auf den sie sich begeben, beginnt direkt. Es ist ein direkter Weg zur Vergeltung. Aber Cirk auf diesem schmalen Pfad zu halten, erweist sich als unmöglich. Er löst sich auf. Unterdessen muss sich William mit den Geistern seiner eigenen Geschichte auseinandersetzen. Die Siegesserien seiner Vergangenheit holen ihn ein.

Der Film ist fest im Genre Krimi-Thriller verankert. Es strahlt eine düstere, angespannte Atmosphäre aus, die sein Tempo bestimmt. Kritiker und Publikum haben ihm eine solide 6,2 auf IMDb gegeben, was darauf hindeutet, dass er kompetent, aber nicht unbedingt ein Meisterwerk ist. Es ist die Art von Film, die mehr auf Stimmung und Charakterdynamik als auf explosiven Versatzstücken setzt.

Eine Zusammenarbeit zwischen Schrader und Scorsese

Dieses im 2021 veröffentlichte Projekt hat einige Schwergewichte hinter sich. Regie führte Paul Schrader. Sie kennen seinen Stil, wenn Sie „Taxi Driver“ oder „First Reformed“ gesehen haben. Er bringt diese charakteristische introspektive, moralisch graue Linse auf die Leinwand. Aber der Verdienst des Produzenten geht an Martin Scorsese. Die Nennung von Scorseses Namen signalisiert oft ein gewisses Maß an filmischer Glaubwürdigkeit, auch wenn er nicht auf dem Regiestuhl saß.

Die Besetzung übernimmt die schwere Arbeit. Oscar Isaac spielt William. Er ist subtil, zurückhaltend und trägt das Gewicht seiner Geheimnisse in seinen Augen. Dann ist da noch Tye Sheridan als Cirk, der der Rolle eine rohe, flüchtige Energie verleiht. Abgerundet werden die Hauptdarsteller durch Tiffany Haddish, die der Mischung eine andere Art von Spannung verleiht. Ihre Anwesenheit begründet einige der abstrakteren Elemente in der Realität.

Wer schaut sich das an?

Wenn Sie nach Action mit hoher Oktanzahl suchen, ist dies möglicherweise nicht das Richtige. Es ist langsamer. Es geht um die Psychologie des Glücksspiels und die Psychologie des Krieges. Das Erscheinungsdatum 2021 stellt es in einen aktuellen Kontext, in dem das Publikum eher nach geschlossenen, charakterbasierten Thrillern als nach Blockbuster-Spektakeln hungrig war.

Die Dynamik zwischen William und Cirk ist der Kern. Einer wird kontrolliert; der andere ist chaotisch. Ihr Finanzier ist ein Joker. Der Konflikt ist nicht nur äußerlich, er ist innerlich. William muss sich seinem eigenen Trauma stellen. Cirk muss sich seiner Wut stellen. Der Film fragt, ob Rache jemals wirklich befriedigend ist oder nur eine andere Art von Verlust.

Es ist ein solider Einstieg in den Thrillerkanon. Nicht perfekt. Aber sehenswert, wenn Sie Filme mögen, bei denen die Stille lauter ist als die Dialoge. Die Glücksspielszenen sind angespannt. Die Kriegsrückblenden sind zackig. Isaac lässt Sie bis zu den letzten Bildern raten.

Kornel Mundruczo’nun yönetmen koltuğuna oturduğu Murina, 1950’er Jahre, II. Dünya Savaşı’nın yaralarının henüz bitmediği bir dönemde, Adriyatık Denizi’ndeki bir adada geçen hikayeyi anlatıyor. Der Film wurde von Anne, Baba und ihrem Freund Nona entworfen.

Murina wurde auf IMDb mit 6,4 bewertet, was zu einem überraschenden Ergebnis führte. Der 2021 erschienene Film „Lili Monori“, „Annamara Lang“ und „Goya Rego“ ist ein echter Hingucker.

Tarihi Travmaların Etkileri

Der Film hat die Arbeit bis zu einem gewissen Grad abgeschlossen. Eva, Lena und Jonas geben ihre Charaktere wieder, nachdem sie sich vor den Augen ihrer Eltern gekümmert haben, aber sie sind sich sicher, dass sie meine Freunde nicht mehr erreichen können.

Viele Menschen haben bereits ein paar Jahre zuvor gezögert, aber sie haben noch nie etwas anderes gesagt. Murina, aber ihre Tür ist fertig und sie hat keine Ahnung, ob es ihnen gut geht.

Karakterlerin Derinlikleri

• Eva : Annenin karakteri, geçmişin ağırlığıyla başa çıkmaya çalışırken kendi iç çatışmalarını yaşıyor.
• Lena : Genç kuşak olarak, Nona’n ın rollini taşıyan character, aile dinamiklerinin merkezinde yer alıyor.
• Jonas : Erstaunliche Charakteristika, Geräusche und Ermüdungserscheinungen.

Kornel Mundruczo’nun yönetmenliğindeki Murina, bu charakterlerin derinliklerini aralarındaki ilişkileri ustaca işliyor. Der Film ist ein echter Hingucker, aber es ist nicht einfach, ihn zu töten.

Das Souvenir: Teil II – Wo das Geld Schweigen kauft

Der Glamour verblasst. Die Party endet. Übrig bleibt die Rechnung.

In The Souvenir: Part II ist Joanna (Orla Cassidy) zurück in London. Sie ist nicht mehr die Studentin mit großen Augen aus dem ersten Film, aber sie ist nicht gerade geheilt. Sie ist Filmstudentin und versucht, ihre Abschlussarbeit fertigzustellen. Die These ist das Problem. Oder vielleicht ist die These nur ein Vorwand, um sie zu beschäftigen, während ihr Leben in Zeitlupe auseinanderfällt.

Ihr Freund Anthony (Tom Burke) ist weg. Tot. Seit Jahren verschwunden. Und doch ist seine Präsenz schwer. Es ist in den Wänden. Es liegt an den Entscheidungen, die sie trifft. Der Film bietet keinen Abschluss. Es bietet Komplikationen.

Die These als Schutzschild

Joanna macht einen Film. Es ist fiktionalisiert. Es ist persönlich. Und es ist teuer.

Hier kommt das Geld ins Spiel. Ein mysteriöser Gönner tritt vor. Er möchte den Film finanzieren. Im Gegenzug erhält er die Kontrolle. Kreative Kontrolle. Finanzkontrolle. Die Dynamik ändert sich augenblicklich. Joanna ist nicht mehr nur eine Künstlerin, die um Anerkennung kämpft. Sie ist eine Figur in einem größeren Spiel.

Der Patron ist charmant. Das ist die Falle. Er weiß, was er tut. Er weiß, was Joanna will. Erkennung. Validierung. Eine Möglichkeit, die Trauer über den Verlust von Anthony zu verarbeiten. Aber die Kosten sind hoch. Ihre Autonomie verschwindet. Stück für Stück.

„Kunst erfordert Opfer. Aber wer darf entscheiden, was geopfert wird?“

Die Illusion der Kontrolle

Joanna versucht, ihre Unabhängigkeit zu bewahren. Sie streitet mit dem Produzenten. Sie kämpft für ihre Vision. Aber das Studio hat den finalen Schnitt. Das Geld hat Bedingungen. Und die Saiten sind lang. Sie drehen sich um ihre Karriere, ihre Beziehungen, ihr Selbstbewusstsein.

Der Film zeigt die Schattenseiten der Branche. Nicht die roten Teppiche. Die Hinterzimmer. Die Geschäfte wurden in verrauchten Räumen abgeschlossen. Die Art und Weise, wie Talente kommerzialisiert werden. Joanna lernt diese Lektion auf die harte Tour. Sie dachte, sie hätte die Kontrolle. Das war sie nicht.

Geschlecht und Macht

Dies ist nicht nur eine Geschichte über das Filmemachen. Es ist eine Geschichte über Machtdynamiken. Joanna ist jung. Sie ist verletzlich. Die Menschen um sie herum sind älter. Wohlhabender. Erfahrener. Sie halten die Karten.

Der Film scheut das Unangenehme nicht. Es zeigt, dass von Frauen oft erwartet wird, dass sie ihre Agentur gegen Chancen eintauschen. Wie ihre Trauer ausgenutzt wird. Wie ihre Kunst nicht nur nach Leistung, sondern auch nach Marktfähigkeit beurteilt wird.

Orla Cassidy liefert eine rohe Leistung ab. Ungeschliffen. Real. Sie sieht nicht glamourös aus. Sie sieht müde aus. Sie sieht aus wie jemand, der die Hölle durchgemacht hat und immer noch versucht aufzustehen.

Warum es sich unvollendet anfühlt

Das Ende ist nicht schön. Joanna bekommt nicht den perfekten Film. Sie bekommt nicht die perfekte Auflösung. Sie bekommt einen Kompromiss. Ein Stück ihrer Seele, verkauft für eine Chance auf Sichtbarkeit.

Das nervt. Es ist realistisch. Und das ist der Punkt.

Das Leben hat keinen dritten Akt, in dem alles festgelegt ist. Manchmal macht man einfach weiter. Manchmal arbeitet man weiter. Auch wenn die Arbeit nicht Ihren Vorstellungen entspricht. Auch wenn die Kosten zu hoch waren.

Das Urteil

The Souvenir: Part II ist eine schwierige Uhr. Das ist es nicht

Wohin geht Julie von da an?

Wenn Sie dachten, dass die emotionalen Trümmer des ersten Films ausreichen, beweist das zweite Kapitel von Joanna Hoggs autofiktionaler Saga das Gegenteil. Wir ließen die junge Filmstudentin Julie (Honor Swinton Byrne) durch die trüben Gewässer ihres ersten großen Herzschmerzes navigieren. Die Stille dieses Verlustes hing wie ein schwerer Mantel über ihr. Nun, in dieser Fortsetzung, hat sich dieser Mantel in eine Rüstung verwandelt. Oder vielleicht nur ein Käfig.

Julie trauert nicht mehr nur. Sie agiert in der Trauer.

Die Architektur der Trauer

Dies ist kein typisches Liebesdrama. Es so zu nennen, würde der stillen, erdrückenden Spannung, die Hogg aufbaut, keinen Gefallen tun. Die Genre-Tags lauten Drama und Romantik, aber das Erlebnis ähnelt eher einer Ausgrabung. Wir durchwühlen Schichten von Privilegien, künstlerischem Ehrgeiz und der Art von Kummer, der einen nicht zum Schreien bringt – man lässt einen verschwinden.

Die Kulisse ist London, aber es fühlt sich distanziert an. Eine Welt voller Stuck, Stille und teuren Problemen. Julie ist körperlich und emotional in einen neuen Raum gezogen. Der vorherige Film endete damit, dass sie versuchte, Halt zu finden. Dieser Teil zeigt sie, wie sie über Glasscherben geht.

Eine Familie in Unordnung

Man kann nicht über diesen Film sprechen, ohne den Elefanten im Raum anzusprechen: die Besetzung. Tilda Swinton spielt Julies Mutter. James Hillier ist ihr Vater. Hugo Bacon ist ihr Bruder. Dabei handelt es sich nicht nur um Schauspieler, die Rollen spielen; Sie sind eine Familie, deren Dynamik durch die gleichen Kräfte zerbrochen wird, die auch Julies Liebesleben beeinflussen.

Die Auftritte sind zurückhaltend. Untertrieben. Vor allem Tilda Swinton ist faszinierend anzusehen. Sie spielt nicht das Motiv der „bösen Mutter“. Sie spielt die „ferne Beobachterin“. Es ist schmerzhafter, weil es realistisch ist.

„Trauer ist keine Störung, keine Krankheit oder ein Zeichen von Schwäche. Sie ist eine emotionale, körperliche und spirituelle Notwendigkeit.“

Dieses Gefühl spiegelt sich im gesamten Film wider. Julies Liebhaber kommen und gehen. In einem Moment ist sie mit einem charismatischen, aber sprunghaften Künstler zusammen; Im nächsten Moment ist sie allein in einem riesigen, leeren Haus. Die Beziehungen sind eine Art Transaktionen. Julie sucht nach Kontakt, nutzt aber auch Menschen, um die Lücke zu füllen, die ihre erste Liebe hinterlassen hat.

Wie kommt Julie zurecht?

Die Frage ist nicht, wie sie überlebt, sondern wie sie lebt. Hogg bittet uns, Julie beim Umgang mit den Nachwirkungen einer Beziehung zu beobachten, die ihr frühes Erwachsensein prägte. Die Narben sind frisch. Sie fühlen sich zart an.

Es gibt eine frühe Szene, in der Julie sich altes Filmmaterial ansieht. Nicht von ihrem Ex, sondern von sich selbst. Sie studiert ihr eigenes Bild. Es ist ein Metakommentar zum Thema Erinnerung. Wir beobachten eine Figur, die sich eine Aufnahme von sich selbst ansieht. Es ist rekursiv. Es ist schwindelerregend.

Die Kameraarbeit von Edward Lachman fängt diese Isolation ein. Es dauert lange. Leere Räume. Die Kamera bleibt auf Julie gerichtet, als sie denkt, dass niemand hinschaut. Und sie ist immer allein.

Warum es jetzt wichtig ist

Dieser Film kam 2021 in die Kinos und kam zu einer Zeit, als das Publikum genug von netten Auflösungen hatte. Den Kuss am Ende wollten wir nicht. Wir wollten die Mehrdeutigkeit des wirklichen Lebens. Julie bekommt keine weiße Weste. Sie bekommt eine neue Wohnung.

James Martin wurde von der Belgierin belehrt, und Katolik Kilisesi wurde von den Verantwortlichen für ihre Arbeit unterstützt. Der Ire, Peder James Martin, der sich mit dem Thema „The Irishman“ beschäftigt hat, ist gerade dabei, die LGBTQ+-Community zu befragen, da sie nur wenige Monate alt ist. İşler, bir rahibin desteğiyle farklı bir boyut kazanıyor.

IMDb wurde vor 6,5 Jahren veröffentlicht und im Jahr 2021 veröffentlicht. Evan Mascagni und Shannon Post sagten, sie hätten Scorsese mit einem anderen Mann belästigt. James Martin hat ihn als seinen Freund kennengelernt.

9. Der Ire (İrlandalı)

The Irishman: Cinayetlerin ve Sessizliğin Dönemi

Biyografi türüne düşkün izleyiciler için bu film, listenedeki en ağır toplardan biri. Martin Scorsese wurde im Jahr 2019 von Frank Sheeran gegründet, der sich 2019 um ein Jahr gekümmert hatte. Dies führte dazu, dass die US-Mafia und die US-Regierung die Regierung in den Ruhestand versetzten.

Sheeran, İkinci Dünya Savaşından sonra evine dönen bir adam. Hayatta kalmak için yollar ariyor. Wie Sie wissen, hat Russell Bufalino nun versucht, sein Urteil zu fällen und ihn zu „testen“. Ancak bu sadece bir iş değil. Sheeran hat dies nicht getan. Mittlerweile haben wir in den Vereinigten Staaten eine Reihe von Werbespots gesehen, darunter: Jimmy Hoffa.

Hoffa’nın ortadan kaybolması, koca bir dönemin bitişini simgeliyor. Film, aber es war nicht einfach, ihn zu töten, weil er sich selbst in den Wahnsinn getrieben hatte.

Neden İzlenmeli?
– Weitere Informationen von: Frank Sheeran war in der Lage, einige seiner Beiträge zu verfassen, und fügte dann einen Kommentar hinzu.
– Efsanevi-Mitglieder: Robert De Niro, Al Pacino und Joe Pesci. Die Schauspieler waren sich nicht sicher, ob der Film noch ein Jahr alt war.
– Scorsese imzası: Ein Mann, der die Atmosphäre und die Atmosphäre untersuchte, war sich sicher, dass der Film die Biyografiden mit der nötigen Sorgfalt umhauen würde.

Kısa Bilgiler:
– Tür: Biyografi, Gerilim
– IMDb-Version: 7.8
– Anmerkungen: Martin Scorsese
– Oyuncular: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci
– Gösterim Tarihi: 2019

10. Der Wolf der Wall Street (Absatz 1)

Leonardo DiCaprio hat sich in den Filmen „The Wolf of Wall Street“ und Jordan Belfort einen Namen gemacht. Am 24. Januar 2019 wurde die Wall Street-Börse mit der Bitte um Geldverlust konfrontiert. Das System und die Software haben die Funktionsfähigkeit des Benutzers zum Ausdruck gebracht. Sie sagten, sie hätten den alten Eden Belfort mit einem Alkohol-, Alkohol-, Alkohol- und Alkoholmangel belohnt. Ancak dolandırıcılık temeli üzerine inşa edilen bu imparatorluğun çöküşü kaçınılmazdı.

Tür olarak biyografi ve komedi unsurlarını barındıran yapım, 2013 yılında vizyona girmiş. Martin Scorsese hat einen neuen Film veröffentlicht, IMDb mit 8,2 Punkten und mehr als nur einer. Als Jonah Hill und Margot Robbie zusammen mit DiCaprio zusammenkamen, waren sie sich sicher, dass sie ihre Auftritte in vollen Zügen genießen konnten.

11. Shutter Island (Zindan Adası)

12. Der Verstorbene (Köstebek)

Martin Scorsese eliminierte The Departed, nachdem er den letzten Film gedreht hatte. Gerilim ve suç türünün zirvesine oturan o nadir eserlerden biri. Shutter Island wurde neu eröffnet. Burada ise Boston sokakları var. Soğuk, Karanlık ve tehlikeli.

Im Jahr 2006 wurde Scorseses Vater zum ersten Mal in die Stadt geschickt, wo er in der Stadtverwaltung arbeitete. Oscar’da En İyi Film dahil dört ödülle salonu salladı. Sadece Hollywood ist ein echter Star. Der Film ist ein Gangsterfilm, der vor vielen Jahren gefilmt wird.

Kim Kim Peşinde?

Dies ist eine parallele Lösung. Geburtsort: Billy Costigan (Leonardo DiCaprio). Bitte beachten Sie, dass dies nicht der Fall ist. Colin Sullivan (Matt Damon) spielt mit. Sullivan, Massachusetts Eyalet Polisi’ne sızan bir suç çetesi üyesi.

Diğer tarafta Sullivan var. Çeteye sadık. Ama aslında Costigan’in peşinde. Aslında polis.

İkisi de birbirinin kimliğini bilmiyor. Ama polis müdürlüğünde biri biliyor. Jack Quinn (Mark Wahlberg) ist verstorben. Als sie Billy Costigan in ihrer Heimatstadt sah, war Frank Costello nun einer von ihnen Irish (Ray Winstone).

Gerginlik her sahne daha da artıyor. Kimin Kim Olduğunu öğrenmek tek tek sorun değil. Hayatta kalmak önemli.

Oyuncular Neden Harika?

Leonardo DiCaprio war der beste Kandidat für den Salon. Costigan’ın içsel çatışmasını, psikolojik baskıyı mükemmel yansıtıyor. Matt Damon ist Sullivan ein treuer, geplanter und manipulierter Akteur.

Mark Wahlberg, Ray Winstone und Martin Sheen haben sich mit anderen zusammengetan. Sheen gehörte zu den Charakteren von John Bradley und wurde später zum ersten Mal entlassen.

Scorsese sagte, er sei nicht bereit gewesen, sich mit ihm zu befassen. Komedi hat mir gesagt, dass ich ihm etwas zu sagen habe. Gerilimi artırıyor.

Neden İzlemelisin?

Die Verstorbenen, das ist die Geschichte. Kimlik karmaşası, ihanet ve adalet temalarını işliyor. Scorsese war einer von vielen jungen Leuten, die ihn früher kennengelernt hatten.

Es ist gerilim dolu, Karakter derinliği yüksek suç filmleri seviyorsan izlemelisin.

Önemli Detaylar

• Tür: Suç, Gerilim, Drama
• IMDb-Version: 8.5
• Anmerkungen: Martin Scorsese
• Oyuncular: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Mark Wahlberg, Martin Sheen
• **Oscar

The Aviator: Howard Hughes’in Çarpık Dünyası

Martin Scorsese hat Linden in The Aviator (Göklerin Hakimi) eliminiert, sie ist ein biografischer Künstler, der sich unwillkürlich an die Arbeit gemacht hat und sich vor einigen Jahren mit einigen anderen Filmen beschäftigt hat. Im Jahr 2004 war Howard Hughes in einer Woche im Jahr 2004 geboren und wurde am 17. September 2004 zum ersten Mal ins Leben gerufen. Leonardo DiCaprio, der energischste und paranoischsteste seiner Art, hat ihm die Schuld gegeben. Der Film ist sicher, dass er aus efsane haline gelir besteht. DiCaprio, Hughes, war derjenige, der sich um ihn gekümmert hatte, und sagte, er sei nicht glücklich darüber gewesen, dass er ihn nicht mehr kennengelernt habe.

IMDb ab Version 7.5. Aber Scorsese hat in ihrem ersten Jahr eine Reihe von Tests durchgeführt, sie haben die Kontrolle verloren und sind nicht sicher, ob sie das tun können. Film, Hughes hat viele Filme gemacht und viele Filme gemacht, er hat sich zusammengetan und OCDs (Obsesif Kompulsif Bozukluk) sind wieder da. Sadece hatte einiges zu tun, aber er war verrückt geworden, als er sich auf den Weg machte, um ihn anzusprechen.

Glenne Headly, Cate Blanchett, John C. Reilly und Kate Beckinsale haben sich in den letzten Jahren zusammengefunden, Hughes hat sich für den Film entschieden. Cate Blanchett spielte als Schauspielerin von Katharine Hepburn als Hollywood-Darstellerin. Blanchett, der Oscar-Preisträger wurde heute als einziger Kandidat ausgezeichnet.

Howard Hughes sagte, er habe eine Antwort erhalten. Scorsese, der 20-jährige DiCaprio-Chef, der sich mit Hughes’ Kollege beschäftigte, war sich nicht sicher, ob er sich die Mühe gemacht hatte, ihn zu zitieren. Aber die Technik, Hughes war einer von ihnen, hat sich um ihn gekümmert und hat sich dann mit ihm beschäftigt.

„Ich kann einfach nicht anders.“

Nun, Hughes hat Kendine verlassen, bevor er und die Hollywood-Stars sich mit dem Klang zufrieden gegeben haben. Film, izleyiciye sadece biyografik bilgi vermez. Howard Hughes brauchte keine Zeit, um seine Dienste zu leisten, und er brauchte eine Menge Geld, um die Zeit zu verkürzen. Bitte achten Sie darauf, dass die Hepiminierung nicht gewährleistet ist.

Scorsese hat seine Kamera nicht verlassen, er hat sich die Mühe gemacht, ihn zu töten. Hughes war einer der Hauptgründe dafür, dass die Technik nicht mehr funktionierte

Martin Scorsese aus den Gangs of New York, 1940 und 1950, wurde von Howard Hughes‘ Sohn Aviator ins Leben gerufen. Film, 1860, New York, ein Five Points-Film, der vor Kurzem in die Kinos kam. Hughes gab seiner Mutter einen Kommentar ab, erklärte ihm seine Meinung und fügte hinzu, dass er noch nicht einmal eine Antwort erhalten habe.

Leonardo DiCaprio, Amsterdam Vallon olarak sahneye çıkar. Bitte beachten Sie, dass dies nicht der Fall ist. Cate Blanchett und Jenny Everdeane spielen die Hauptrolle. İlişkileri karmaşık, motivasyonları şeffaf değil. DiCaprio hat keine Charaktere mehr, aber er hat in der Tat nichts von seiner Figur gehört. Aber, Aviator ’daki Hughes’in sadacece iş odaklı olanı ğil, duygusal çöküşlerini de gösteren tarafına benzer bir derinlik katar.

Scorsese’nin Yeni York Vizyonu

Scorsese, Gangs of New York, hat einen neuen Film geschrieben. O, ruhunu, kalabalık sokakların sesini, kokusunu ve şiddetini yansıtır. Leonardo DiCaprio trat nun auf, als Aviator erst vor Kurzem auftrat, und Hughes war ein energischer Künstler, der sich vor einiger Zeit in den Bann zog, und musste sich damit abfinden.

Daniel Day-Lewis‘ in „Bill the Butcher“ zeichnet sich durch eine großartige Figur aus. O, sokakların kontrolle elinde tutan bir tirandır. DiCaprio wurde von Amsterdam rekrutiert und Scorsese war sich nicht sicher, ob es ihm gelingen würde, seine Karriere zu beenden. Der Film hat mir schon vor einiger Zeit geholfen, aber die Charaktere sind verrückt geworden.

Oyunculukların Gücü

Leonardo DiCaprio, Gangs of New York, daha olgun, daha caranlık bir yüzüyle goörünür. Als sie ihre Karriere beendete, wurde sie von ihr zum ersten Mal gezischt. Cate Blanchett war sichtlich verunsichert, als sie ihre Schwester zur Rede stellte. Aufgrund der Tatsache, dass Amsterdam bereits eine Reihe von Strategien und Plänen entwickelt hat, ist es nicht einfach, die Stadt zu verlassen.

Der Film wird in einer angenehmen Atmosphäre gefilmt. Scorsese, die Kamera hat die Augen geschlossen und die Augen geschlossen. Duygusal bir bağ kurmak yerine, o anın şiddetiyle yüzleşmek zorunda kalırsın. Aviator, ein Mann von Hughes, ist in seinem Leben nicht mehr in der Lage, eine neue Rolle zu spielen

Scorsese’s erste New York City ‘deki, die seit 1995 im Casino spielt, hat noch nie gespielt. Sadece-Kostümler değişmiş. Yine aynı adam, yine aynı iskence. Es sind 70- bis 80-Jährige in Las Vegas.

IMDb ab Version 8.2. Gestartet im Jahr 1995. Geschrieben von Martin Scorsese. Oyuncu kadrosu ise sinema tarihinin en ağır toplarıyla dolu.

Der König von Las Vegas

Robert De Niro und Sam „Ace“ Rothstein singen. Frank Rosenthal hatte seine Karriere als Schauspieler begonnen und war in Las Vegas als Schauspieler tätig. Akıllı. Organisator. Ama zayıf noktası var. Yaşam tarzı.

Sharon Stone, Ginger McKenna’yı oynuyor. Ace’in karısı. Ama aslında onun tutsağı. Stone’n performansı, o donemdeki kadın rollinin ötesinde. Buz gibi soğuk. Hesaplı.

Joe Pesci, Nicky Santoro Rollen. Gerçek life Anthony Spilotro’dan esinlenilmiş. Ace’in en iyi arkadaşı. Ama sadakat sorunu var. Kısa öfkeli. Çok şiddetli.

Yıkımın Anatomisi

Der Film „Vegas“ ist in letzter Zeit nicht mehr so beliebt. Şirketin arkasındaki bağlantıları yavaşça ortaya çıkıyor.

Ace, kurallara uymaya çalışıyor. Yasaların içinde kalmaya. Ama Nicki, ich werde dich sagen. Bıçak kullanıyor. Bomba koyuyor. Şehirde terör yaratıyor.

„Kumarhaneler, kumar tutkunlarının en büyük düşmanıdır. Çünkü ev her zaman kazanır.“

Das ist alles, was Sie brauchen. Filmin özü. Ace, Vegas’in Kurallarını Biliyor. Ich fragte und sagte, ich hätte es nicht geschafft.

Neden İzlenmeli?

1. GERçeklik: Gerçek olaylara dayanan bir senaryo. Frank Rosenthal und Anthony Spilotro’nun hikayesi.
2. Darsteller: De Niro ve Stone’un kimyası. Pesci’nin vahşeti.
3. Görsel Şölen: 70er Vegas’ı. Neon ist klar. Lüks. Çöküş.
4. Thema: İktidar. Fragen. Vahşet.

Sonuç

Casino-Spiele, die Ihnen die Möglichkeit geben, Filme zu spielen. Bir çöküş belgesi. Aber leider ist sie noch nicht einmal in der Lage, Vögel zu sehen.

Der Niro’nun ace’si, Vegas’in kalbini temsil ediyor. Soğuk. Hesaplı. Ama içinde bir çatlak

In Las Vegas ist es nicht ganz so einfach, sich die Zeit zu vertreiben, und die Kunst, die in Las Vegas steckt, ist eine echte Herausforderung. Ace Rothstein, ein erfahrener Experte, ist ein erfahrener Experte. Der Rakiplerle wird vor dem Einschalten des Geräts beschädigt und ist nicht mehr funktionstüchtig. Ancak her sey, eski dostu Nicky Santoro ile yeniden iş yapmaya yapmaya başladığında altüst oluyor.

Nicky, Açgözlü, Kontrolle und Eğlence peşinde koşan bir tiptir. Sie haben keine strategischen Entscheidungen getroffen, sondern sind sich nicht sicher, was sie tun müssen. Als ich dachte, der Film werde von der Mafia vernichtet, werde ich sie töten.

Martin Scorsese’nin Ustalık Eseri e Oyuncu Kadrosu

Ich bin Martin Scorsese, Casino, der den Film gespielt hat. Es handelt sich um ein episches Drama, ein Film, der vor der Bühne steht. Der Film aus dem Jahr 1995 wurde von der Band Goodfellas (Songtext anzeigen) veröffentlicht, in der Scorsese in einem Interview mit ihm auftrat.

Oyuncu kadrosu, kariyerinin zirvesindeki isimlerden oluşuyor:
* Robert De Niro, Ace Rothstein, hat sich die Zeit genommen und sein Debüt gegeben.
* Sharon Stone und Ginger McKenna spielten die Hauptrollen, bevor sie in einem neuen Salon auftraten.
* Joe Pesci und Nicky Santoro zeichnen sich durch einen aggressiven Charakter aus, der sich mit der Leistung eines anderen Spielers beschäftigt.

Die 8.2 -Version von IMDb ist ein guter Film, der auf der Suche nach einer Reihe weiterer Filme ist. Das Drama wurde zu Ende geführt, als es bis zum Ende der Veranstaltung zu Ende ging, und die Schülerinnen und Schüler waren in der Lage, ihre Träume wahr werden zu lassen.

Gerçek Hayatla Buluşan Kurgusal Dünya

Der Film wurde von Frank Rosenthal veröffentlicht. Als Rosenthal aus Las Vegas zurückkehrte, war es ihm nicht gelungen, dies zu tun und zu verhindern, dass es ihm gelingt. Nicky Santoro zeichnet sich dadurch aus, dass er Tony Spilotro als Erster kennt. Scorsese sagte, dass er sich nicht sicher sei, ob er sich die Mühe gemacht habe, ihn zu töten oder ihn zu töten, weil er nicht in der Lage gewesen sei, ihn aus der Sonne zu holen.

Gestartet im Jahr 1995, der letzte Film ist seit 1995 erhältlich

Martin Scorsese, der Goodfellas mitteilte, dass er ein paar Jahre zuvor gesessen hatte, war der Film, der in einem psychiatrischen Studio mitgewirkt hat, als Raging Bull (Azgın Boğa) ihr zuhörte, als er noch dabei war. 1990 yapımı Goodfellas ile aynı yönetmenin imzasını taşıması rastlantı değil; Scorsese, dieser Mafia-Film und die US-Amerikaner haben es ihm leicht gemacht. Ancak Raging Bull, der sich mit der Zeit beschäftigt hatte, war verrückt geworden, als er sich auf den Weg machte.

Robert De Niro wurde in einer Reihe von Filmen vorgestellt, in denen der weltweit bekannte Regisseur Jake LaMotta eine Reihe von Kommentaren abgab. LaMotta, der sich mit Kendine Hayran beschäftigt hat, hat dies getan, und sie hat sich um sie gekümmert. Der Film von Jack LaMotta wurde in den Raging Bull-Film aufgenommen, nachdem er sich mit der Zeit beschäftigt hatte, mit der er zusammengearbeitet hatte, und die sich nun darauf konzentrierte, dass er nicht mehr in der Lage war, sich mit der Zeit zufrieden zu geben.

Film, siyah beyaz çekimleriyle bilinir. Aber es ist wichtig, dass Sie es nicht wissen. LaMotta’nın dünyasındaki gri alanlara, netlikten yoksun ahlaki çöküşe bir göndermedir. De Niro, der 60-Kilo-Lauf von LaMotta startete, war noch nicht fertig. In diesem Buch wurde Wie sich Robert De Niro für Raging Bull verwandelte mit einem kurzen Blick auf die Bühne geschossen. Ancak bu sadece kilosununun artmasıyla sınırlı kalmaz. De Niro und LaMotta waren sich nicht sicher, ob sie noch nicht fertig waren, und die Bitmek-Beamten waren sich nicht sicher, ob sie sich noch nicht entschieden hatten.

„Ich bin kein Tier. Ich bin einfach kein Mensch.“ – Nun, LaMotta’nın (und De Niro’s kanadischer Charakter) kendine yabancılaşmasını özetler.

Scorsese, der Kameramann LaMotta, war noch nicht fertig. İzleyici, charaktere mantıksız kıskançlıklarını ve şiddet fantezilerini onun gözünden yaşar. Aber, der Film ist ein echter Hingucker, der Psikolojik korku Filmine Dönüştürür. Joe Pesci’nin küçük kardeşi Joey LaMotta spielte Auftritte unbrauchbar; Die Person, die sich um sie gekümmert hat, muss sich darum kümmern.

Der Film wurde im Jahr 1980 veröffentlicht (nicht: 1999).

### Wütender Stier

Robert De Niro’nun Kariyerindeki sert dönüşüm hikayesi şte bu. Martin Scorsese wurde 1980 von Cidgın Boğa und Jake LaMotta in einem Interview vorgestellt. LaMotta o zamanlar orta sıklette bir boksördü. Hırslı. Açgözlü. Zirveye tırmanırken kendi ayağına sıkıyor.

Film siyah beyaz. Sert. Gerçek. LaMotta’n yükselişini ve çöküşünü kendi ağzından dinliyoruz. Başrolü De Niro oynuyor. Cathy Moriarty und Joe Pesci von Kadroda. IMDb ab Version 8.2. Hala geçerli.

Biyografi türünde. Dram yoğun. LaMotta’nın ringdeki gücüyle sahne dışındaki hayatı arasındaki uçurum göz alıcı.

### Taxifahrer

De Niro’un başka bir ikonik rolü. Taksi Şoförü. 1976. Travis Bickle. New York hat sich die Mühe gemacht, etwas zu tun. Zamanın ruhunu yansıtıyor.

Der Film von De Niro ist derzeit ein echter Hingucker. Cızgın Boğa spor üzerine. Taksi Şoförü toplumsal yalıtım üzerine.

1. New York City. Çöpler, yalanlar ve çürümüşlükle kaplı sokaklar… Martin Scorsese’nin başyapıtı Taxi Driver ’ın geçtiği yer. Der Film von Robert De Niro wurde von Travis Bickle in seinem dritten Kommentar aufgenommen. Vietnam Savaşı’ndan dönen bir adam. Zihninde savaş izleri. Gerçek hayatta ise gece şoförü.

Travis, seine Freundin hat es geschafft. Ihre Türlü çılgınlığı, yozlaşmayı, adaletsizliği. Ama o bunları kabullenemiyor. İçindeki öfke büyüyor. Bir gün eline silah alıyor. Sokaklardaki „pisliği“ temizlemeye karar veriyor. Bu bir dram mi? Evet. Ich bin der Meinung, dass dies der Fall ist. IMDb ab Version 8.2. Yani Tarihin und Iyi Film Listenine girmeyi hakeden bir yapım.

Jodie Foster und Harvey Keitel haben sich mit De Niro zusammengetan, einem alten Film, in dem sie eine Reihe von Charakteren sehen. Travis Bickle. Yalnız. Öfkeli. Ve tehlikeli.

„Sen konuşuyorsun. Ben dinliyorum.“

Der Film ist atmosphärisch, strahlt Licht aus, ist in Neontönen gehalten und hat sich zu einem wunderbaren Film entwickelt. Scorsese, der Film, der zu diesem Zeitpunkt noch nicht fertig war, war sehr respektlos. 1976’da vizyona giren Taxi Driver, Hala Güncel. Neden mi? Çünkü adaletsizlik ve haksızlık her zaman vardı. Wir haben es geschafft.