Salah! Pertengkaran! Kekuatan! Itu bukan hanya kebisingan. Itu adalah detak jantung visual dari sebuah bahasa yang melampaui kata-kata. Buku komik adalah pai apel dan sastra Amerika Empat Juli—ikon, dramatis, dan terkadang memiliki bobot artistik yang cukup untuk digantung di Museum Seni Modern.
Anda melihatnya di mana-mana. Kios koran. Toko buku strip mall. Butik pecandu. Lalu ada filmnya. Hollywood telah lama menyadari bahwa adaptasi buku komik menarik banyak orang karena sumber materinya sudah memiliki subkultur fanatik. Anda tahu tipenya. Bahasa gaul. Lelucon di dalam. Ini adalah dunia dimana film-film Kevin Smith berkembang pesat.
Namun film hanyalah puncak gunung es. Untuk memahami mengapa cerita-cerita ini begitu sukses, Anda harus melihat medianya sendiri. Buku komik adalah perpaduan spesifik antara seni gambar dan teks. Biasanya 20 sampai 30 halaman, kalau lebih panjang sering disebut novel grafis. Perbedaannya kurang penting dibandingkan strukturnya.
Memahami Seni Berurutan
Komik mudah dikenali jika Anda tahu apa yang Anda cari. Halaman disegmentasi menjadi panel, atau bingkai. Perbatasan memisahkan mereka. Setiap panel berisi sepotong cerita—dialog, aksi, atau monolog batin karakter yang disampaikan melalui ucapan dan balon pemikiran.
Di antara panel-panel tersebut terdapat ruang kosong yang disebut talang. Di sinilah keajaiban terjadi. Seniman memandu mata Anda secara logis dari satu frame ke frame berikutnya, memaksa aliran berurutan. Itu sebabnya para kritikus menyebut komik sebagai “seni sekuensial**. Ini adalah penceritaan grafis di mana otak pembaca mengisi celah di antara panel.
Orang-orang mencemooh kata “seni” jika diterapkan pada komik. Secara historis, mereka dipandang sebagai hiburan murahan dan tidak menarik. Selusin sepeser pun. Namun saat ini, komik mencakup semua genre dan pokok bahasan, mulai dari humor yang sembrono hingga narasi yang matang dan kompleks. Itu adalah fenomena global. Kami akan fokus sebagian besar pada evolusi Amerika di sini, dengan mengacu pada para pemukul berat di seberang lautan.
Buku Komik Pertama
Tanyakan pada tiga ahli penemu buku komik. Anda akan mendapatkan tiga jawaban berbeda. Itu tergantung bagaimana Anda mendefinisikan “buku komik”.
Namun, pada tahun 1842, sebuah buku dengan gambar panel dan keterangannya tiba di Amerika. Itu adalah Petualangan Obaja Oldbuck oleh Rodolphe Topffer. Topffer adalah seorang guru dan seniman Swiss. Kebanyakan sejarawan setuju Obadiah adalah buku komik sejati pertama.
Terobosan Topffer memicu penyebaran yang lambat di media cetak. Namun, buku komik modern tumbuh dari komik strip. Ini hampir selalu lucu. Oleh karena itu nama “komik”.
Bangkitnya Strip Surat Kabar
Narasi pendek dengan hanya beberapa panel menghiasi halaman surat kabar mulai tahun 1895. Anak Kuning adalah contoh yang menonjol. Ini memperkenalkan balon ucapan. Kami masih menggunakan konvensi itu sampai sekarang.
Dari pergantian abad hingga tahun 1930-an, penerbit menghasilkan ratusan strip. Dick Tracy. Popeye. Annie Yatim Piatu Kecil. Ini juga bukan hanya untuk lelucon hari Minggu. Anda menemukannya di pompa bensin. Mereka mengiklankan gimmick. Itu adalah buku kartun.
Lahirnya Format Modern
Bentuk modern dari buku komik muncul pada tahun 1933. Funnies on Parade mengubah permainan. Eastern Color Printing mencetak ulang kumpulan komik pendek pada halaman berukuran tabloid. Lebih kecil dari surat kabar.
Ini tidak untuk dijual. Procter & Gamble memberikannya. Itu adalah promosi perusahaan. Yang cerdas. Keberhasilannya tidak dapat disangkal.
Warna Timur memutuskan untuk memanfaatkan. Mereka mulai menjual buku komik di kios koran. Cetak ulang strip hari Minggu yang lucu. Mereka terjual dengan baik. Ini membuka pintu bagi lompatan besar berikutnya dalam metamorfosis buku komik.
Komik Di Seberang Kolam
Eropa memiliki sejarahnya yang kaya. Burger keju di Prancis tidak sama dengan burger keju di AS. Seni komik terlihat berbeda tergantung dari sisi mana burger keju itu berasal.
Judul-judul terkenal berasal dari Eropa. TinTin dari Belgia. Asterix dan Obelix dari Perancis. Tex Willer dari Italia. Agen 372 dari Belanda. Beano dari Inggris. Bahkan The Smurf dari Belgia.
Judul-judul ini memiliki kecenderungan gaya tersendiri. Tema mereka sendiri. Mereka berbeda dari model Amerika.
Digambar dalam Baja
Pada tahun 1954, masa keemasan pahlawan super telah lama memudar. Era pascaperang membawa banyak genre baru—fiksi ilmiah, Barat, kriminal, dan horor. Horor, khususnya, mendapatkan daya tarik. Namun tren itu terhenti ketika psikiater Frederic Wertham menerbitkan Seduction of the Innocent.
Wertham tidak hanya mengkritik komik. Dia menuduh mereka merusak generasi muda. Reaksinya langsung terlihat. Orang tua panik. Politisi terlibat. Industri ini menghadapi ancaman nyata.
Untuk bertahan hidup, penerbit menciptakan Comics Code Authority (CCA). Itu adalah badan sensor mandiri. Peraturannya brutal. Kata-kata seperti “teror” dan “horor” dilarang. Vampir, zombie, manusia serigala, dan adegan penyiksaan dihapus dari halaman. Bahkan kata “polisi” harus digunakan dengan sangat hati-hati.
Hasilnya? Komik arus utama menjadi steril. Mereka aman. Mereka hambar. Stempel CCA menjadi tanda persetujuan bagi orang tua yang khawatir anaknya akan berubah menjadi penjahat.
Apakah itu berhasil? Mungkin. Hal ini tentu saja tidak menghentikan kejahatan. Namun hal itu menghambat kreativitas.
Ledakan Bawah Tanah
Sementara penerbit arus utama bersikap aman, pemberontakan mulai terjadi.
Pada tahun 1960an, gerakan komik bawah tanah meledak. Pencipta independen mengabaikan CCA. Mereka mengeksplorasi topik-topik yang dilarang keras dalam penerbitan arus utama: seks, narkoba, politik, dan bahasa eksplisit.
Ini bukan sekedar tiruan murahan. Mereka comix. Media baru dengan aturan baru.
Artis seperti Robert Crumb dan Gilbert Shelton menemukan penontonnya. Fritz the Cat, Trashman, dan Wonder Wart-Hog menjadi batu ujian budaya. Itu mentah. Mereka tidak disaring. Itu adalah seni.
Pergeseran ini menandai titik balik. Komik tidak lagi hanya untuk anak-anak. Itu untuk semua orang. Kecanggihan tulisan dan karya seni semakin berkembang. Alur cerita menjadi kompleks. Tema menjadi matang.
Stigma itu mulai terangkat. Kritikus yang pernah menganggap komik sebagai sampah mulai melirik lagi.
Memutuskan Rantai
CCA tetap menjadi hukum negara selama beberapa dekade. Namun pada tahun 2011, hal itu berubah.
DC Comics secara resmi mengakhiri kepatuhannya terhadap Kode Etik. Marvel telah memisahkan diri bertahun-tahun sebelumnya. Era wajib sensor mandiri telah berakhir.
Ini bukan sekedar perubahan kebijakan. Itu adalah sebuah pembebasan. Para pembuat konten akhirnya dapat menceritakan kisah yang ingin mereka sampaikan. Mediumnya bisa matang tanpa kendala buatan.
Sejarah komik adalah sejarah perjuangan. Dari kelahiran Superman hingga kedangkalan era CCA, dan akhirnya hingga pemberontakan bawah tanah, medium terus-menerus menciptakan kembali dirinya.
Itu tidak mudah. Itu tidak bagus. Tapi itu berhasil.
Saat ini, komik dihormati. Mereka beragam. Mereka sangat kuat.
Bab berikutnya dalam cerita ini melibatkan perubahan lain. Menjauh dari pahlawan super. Fokus pada bercerita. Hubungan dengan kritikus yang pernah membenci mediumnya.
Anda tidak akan melihatnya di angka. Anda akan melihatnya di halaman.
Tahun 1970-an dan 1980-an menandai suatu pergeseran. Komik strip yang lebih pendek digantikan oleh narasi yang lebih panjang. Ini bukan sekedar lelucon. Beberapa di antaranya serius. Beberapa di antaranya lucu. Mereka mulai membawa label novel grafis.
Buku-buku ini membahas topik-topik berat. Moralitas. Filsafat. Karakternya tidak lagi murni. Mereka berkonflik. Rusak. Bisa salah. Bahkan pahlawan super pun punya kekurangan.
Lalu tibalah jeda budaya. Karya seperti Watchmen, Maus, dan The Dark Knight Returns membuktikan bahwa seni komik adalah kekuatan budaya yang sah. Mereka menunjukkan apa yang terjadi ketika para penulis ilmiah memadukan kecerdasan mereka dengan ilustrator papan atas. Hasilnya sangat beragam. Itu adalah tur-de-force.
Sejak rilis tersebut, pembuat konten tidak pernah berhenti. Mereka terus mengeksplorasi setiap genre. Mereka terus menemukan kesuksesan. Jika Anda ingin mengetahui lebih dalam tentang bagaimana istilah ini berkembang, ada sumber daya yang didedikasikan untuk cara kerja novel grafis. Namun realitas pasar lebih sederhana.
Ada penerbit independen. Mereka menjual komik. Namun para raksasalah yang mendominasi.
Duopoli DC dan Marvel
Dua rivalnya menyumbang 80 persen penjualan buku komik di Amerika Serikat. Komik DC dan Marvel. Itu berarti delapan dari setiap sepuluh buku terjual.
Lagu hits mereka mendapat banyak manfaat dari adaptasi film. manusia super. X-Men. Ksatria Kegelapan. Manusia Besi. Judul-judul ini menggerakkan pasar. Mereka dapat dikenali. Mereka menguntungkan.
Sementara media seni sekuensial AS sedang mengalami kebangkitan perkembangan, Jepang juga melakukan hal yang sama. Kenaikannya berbeda di sana.
Fenomena Manga
Setelah Perang Dunia II, Jepang jatuh cinta pada komik. Mereka mulai menerbitkannya secara massal. Istilahnya manga.
Ini adalah tontonan budaya yang sangat besar. Manga lebih populer di Jepang dibandingkan buku komik di Amerika. Pencipta membuat buku untuk semua orang. Anak kecil. Remaja. Dewasa. Setiap lapisan masyarakat. Setiap jenis kelamin.
Manga juga berkembang di AS. Judul seperti Palsu dan Death Note terkadang terjual lebih banyak daripada komik buatan Amerika.
Gaya visualnya berbeda. Seringkali gambarnya hitam-putih. Hanya sesekali berwarna. Namun daya tarik cerita adalah pendorong sebenarnya.
Cerita manga tidak menyasar anak laki-laki. Mereka menargetkan anak perempuan. Anak perempuan adalah kekuatan pendorong pasar. Kebanyakan judul disesuaikan dengan selera mereka.
Kreativitas tinggi di Jepang dan Amerika saat ini. Ini memanfaatkan kekuatan penulis dan seniman terkemuka. Anda akan melihat bagaimana individu-individu berbakat ini membuat karakter melompat dari halaman.
Arsitek Komik Berseni
Orang mengira pembuatan komik adalah tindakan solo. Bukan itu. Ini adalah kumpulan bakat kreatif. Anda mempunyai penulis, pembuat pensil, pembuat tinta, pembuat warna, dan pembuat huruf. Mereka semua menyatukan otak mereka untuk membuat sesuatu yang sepertinya tidak berasal dari lima orang berbeda.
Penulis menyalakan api. Mereka merencanakan ceritanya. Mereka menulis dialog dan keterangannya. Mereka memvisualisasikan bagaimana kata-kata itu berada di samping seni. Terkadang mereka melakukan manajemen mikro. Terkadang mereka memercayai artis untuk mengisi kekosongan.
Kemudian pensil itu mengenai halaman itu. Pensil menggambar panel kasar. Karakter. Pose-posenya. Ini mungkin hanya berupa garis samar pada awalnya, tapi itu adalah kerangka untuk yang lainnya.
Inker mengambil kerangka itu dan menaruh daging di atasnya. Mereka menambahkan bayangan. Mereka menambahkan drama. Mereka menggunakan skema rumit untuk membuat gambar statis terlihat seperti bergerak. Tinta yang baik membuat panel bernafas.
Pewarna membawa suasana hati. Mereka memilih palet. Warna gelap? Drama. Nada cerah? Sukacita. Rasa takjub. Warna yang tepat memberi tahu pembaca bagaimana perasaannya bahkan sebelum mereka membaca satu kata pun.
Penulis surat adalah pahlawan keterbacaan tanpa tanda jasa. Mereka menempatkan teksnya. Mereka memilih font. Huruf tebal berteriak. Huruf-huruf yang berlekuk-lekuk membisikkan ketakutan atau ketidakpastian. Kedengarannya kecil. Itu sangat penting.
Laura Martin, pewarna veteran di Marvel Comics, mencatat bahwa beberapa seniman mencoba melakukan semuanya. Mereka bisa. Tapi komik mainstream punya jadwal yang brutal. Anda membutuhkan satu terbitan dalam sebulan. Waktu adalah musuh.
Pendekatan tim menang dalam hal efisiensi. Kebanyakan pembuat pensil dan tinta menghasilkan satu halaman sehari. Pada akhir bulan, Anda memiliki buku setebal 20 hingga 30 halaman yang siap dicetak. Ini sulit. Tapi itu berhasil.
Kehidupan Komik Bagi Saya
Hari Buku Komik Gratis terjadi setiap tahun. Itu selalu hari Sabtu pertama bulan Mei. Ini bukan hanya untuk anak-anak yang baik lagi. Toko-toko tidak peduli apakah Anda baik atau buruk.
Mereka memberikan gelar. Bebas. Mengapa? Untuk berterima kasih kepada pembaca setia yang membeli terbitan bulanan. Dan untuk menarik perhatian baru. Buku gratis adalah sebuah pengait. Itu membuat orang melewati pintu. Begitu mereka masuk, toko berharap mereka akan tetap tinggal.
Penerbitan komik arus utama adalah hal yang sulit. Ini didorong oleh tenggat waktu dan tidak kenal ampun. Brian Stelfreeze mengetahui hal ini lebih baik daripada kebanyakan orang. Dia telah menggambar lusinan sampul untuk DC, Marvel, dan pemain besar lainnya. Dalam lingkungan seperti itu, kerja tim tidak hanya menyenangkan untuk dimiliki. Ini adalah hal yang terpenting.
Stelfreeze mengaku awalnya menganggap konsep kolaborasi aneh. Dia memulai sebagai ilustrator komersial. Baginya, pembagian tugas kepada tiga seniman terasa asing. Sekarang? Dia dijual saat mendekat.
“Komik bergantung pada sinergi para spesialis dan menciptakan sebuah karya lebih dari sekadar gabungan bagian-bagiannya, namun menurut saya komik sering kali hanya sekuat tautan terlemahnya,” katanya.
Bagaimana artis kelas dunia bisa muncul di buku komik? Jalannya jarang lurus. Seperti kebanyakan industri lainnya, Stelfreeze memiliki latar belakang tambal sulam. Dia mulai dengan menggambar kartun editorial di sekolah menengah. Dia beralih ke kaos airbrushing di Myrtle Beach. Dia meninggalkan sekolah seni untuk pekerjaan ilustrasi komersial. Kemudian, dia kembali jatuh cinta pada komik.
“Saya selalu ingin menggambar komik saat kecil, jadi saya pikir saya akan mencobanya sekali saja,” katanya. “Kata-kata terakhir yang menentukan yang diucapkan oleh banyak pecandu alkohol, pecandu, (dan) vampir.”
Laura Martin terkena penyakit ini di universitas. Dia membaca komik saat kecil dan awal remaja, tetapi sebagian besar mengabaikannya sampai kuliah. Di University of Central Florida, dia mengambil jurusan desain grafis dan mempelajari sejarah seni. Dia bekerja malam di Kinko’s. Beberapa karyawan adalah penggemar komik. Antusiasme mereka menghidupkan kembali minatnya.
“Pewarnaan komik adalah bagian dari kolaborasi; kami tidak menciptakan karya seni baru. Tugas kami adalah menyempurnakan karya seni hitam putih yang digambar dengan pensil dan tinta, yang digambar berdasarkan cerita yang ditulis oleh seorang penulis.”
Karya mewarnai Martin 99% digital. Gaya dan teknik berbeda-beda menurut senimannya. Namun dinamika intinya tetap ada. Individu tidak memiliki kendali kreatif penuh. Pekerjaan ditentukan oleh setting dan suasana hati. Efisiensi adalah kuncinya. Banyak profesional mewarnai lebih dari enam puluh halaman per bulan. Mereka menggunakan teknik untuk memaksimalkan produktivitas tanpa mengorbankan gaya bercerita atau gaya.
Alur kerja ini terdengar agak sinematik. Ini seharusnya tidak mengejutkan Anda.
Komik Ambil Perak
Karya yang dilakukan para seniman ini ditampilkan di layar lebar. Ini bukanlah transisi yang halus. Bahasa visual komik telah meresap langsung ke dalam pembuatan film blockbuster.
Perhatikan gaya visual film pahlawan super modern. Sutradara seperti Zack Snyder dan Russo bersaudara sangat mengandalkan estetika buku komik. Mereka menggunakan pencahayaan kontras tinggi. Mereka membingkai gambar seperti tata letak panel. Hasilnya adalah pengalaman sinematik yang terasa seperti membaca novel grafis dalam keadaan bergerak.
Persilangan ini menguntungkan semua orang. Studio mendapatkan basis penggemar bawaan. Seniman mendapatkan eksposur dalam skala besar. Tapi itu mengubah cara komik diproduksi.
Penulis sekarang berpikir dalam kerangka rangkaian visual. Seniman mendesain untuk sudut kamera yang dinamis. Garis antara halaman dan layar terus kabur.
“Bahasa visual komik telah meresap langsung ke dalam pembuatan film blockbuster.”
Pergeseran ini tidak bersifat sementara. Ini bersifat struktural. Sinergi yang dibicarakan Stelfreeze? Itu ada di luar halaman buku komik. Ini meluas ke set film dan ruang pengeditan.
Pertanyaannya adalah ke mana arahnya selanjutnya. Produksi maya? Pembuatan storyboard dengan bantuan AI? Alatnya berubah. Permintaan inti untuk kolaborasi tidak demikian.
Kami masih menunggu gelombang berikutnya. Tapi fondasinya sudah ditetapkan.
Komik bukan lagi sekedar tinta di atas kertas. Mereka telah menyusup ke dalam celah-celah masyarakat, menanamkan diri mereka dalam DNA Hollywood. Kita berbicara tentang banyaknya adaptasi. Dari “Spiderman” dan “Watchmen” hingga realisme “From Hell” dan “Ghost World”, produser memperlakukan materi sumber seperti sumber ketegangan dan aksi yang tak berdasar.
Hasilnya sangat tidak konsisten. Terkadang itu menjadi blockbuster. Seringkali, ini berantakan.
Ambil contoh “Ksatria Kegelapan”. Warner Bros mengubah epik Batman itu menjadi mesin senilai $500 juta. Iron Man juga tidak ketinggalan, meraup lebih dari $300 juta di box office. Trilogi “Spiderman”? Setiap cicilan menghasilkan lebih dari $300 juta. Lalu ada “Kawat Duri”. Hal itu adalah sebuah bencana. Itu berhasil dengan kurang dari $4 juta.
Penonton jelas ingin melihat panel favorit mereka menjadi hidup. Namun mengapa sebagian daratan dan sebagian lainnya runtuh?
Brian Stelfreeze, seorang komikus dan penulis ternama, berpendapat bahwa media itu sendirilah masalahnya. Saat Anda menonton film komik, Anda biasanya melihat produk yang kualitas bahan sumbernya sama bagusnya. Tapi inilah masalahnya. Kami tidak hanya mengonsumsi film. Kami menafsirkan komik.
“Saya pikir film komik menghadapi tantangan yang sulit karena secara umum kualitas filmnya sama bagusnya dengan bahan pembuatnya.”
Stelfreeze menunjukkan bahwa komik itu imersif. Mereka menuntut partisipasi. Pembaca mengisi ruang kosong di antara panel. Anda menjadi direktur. Anda memberikan aktingnya. Anda membayangkan suara pukulannya.
Sebuah buku komik mungkin hanya menyajikan 10% dari cerita sebenarnya. Sisanya adalah imajinasi Anda yang mengisi kekosongan tersebut. Itu sebabnya kualitasnya terasa konsisten dengan apa yang Anda bayangkan. Film bersifat statis. Mereka memang seperti apa adanya.
“Buku komik sering kali memuat kurang dari 10 persen cerita itu sendiri, sehingga kualitasnya sesuai dengan imajinasi pembaca. Film memang apa adanya.”
Pertimbangkan “Sang Penghukum”. Adaptasi film terakhir mungkin biasa-biasa saja. Tetapi setiap pembaca memiliki Punisher versi fantasinya sendiri di kepala mereka. Ini lebih gelap. Ini lebih tajam. Ini lebih baik daripada film dan komik pada umumnya.
Kesenjangan antara harapan dan kenyataan inilah yang menyebabkan sebagian besar kegagalan terjadi. Studio berpikir mereka dapat menerjemahkan gaya visual tanpa menangkap sifat partisipatif dari mediumnya. Mereka tidak bisa.
Komik juga menemukan ketenaran di luar layar lebar. Mereka menyusup ke TV, video game, dan merchandise. Namun persoalan intinya masih tetap ada. Jika film tidak mengizinkan Anda ikut serta dalam lelucon tersebut, jika film tersebut tidak mengizinkan Anda mengisi panelnya, maka film tersebut akan selalu terasa lebih remeh.
Langkah selanjutnya dalam perubahan budaya ini bukan hanya soal anggaran yang lebih besar. Ini tentang menghormati interaksi. Sampai Hollywood menemukan cara untuk menerjemahkan keheningan di antara panel-panel tersebut, mereka akan terus meleset. Atau mereka akan terus melakukannya dengan benar.
Buku komik bukanlah sebuah tren yang berlalu begitu saja. Dengan sejarah yang mendalam dan kebangkitan besar-besaran saat ini, mereka telah menjadi batu ujian budaya yang muncul di mana-mana.
Ruang kelas dan perpustakaan dulunya merupakan zona larangan terbang bagi Superman dan Captain Marvel. Saat ini, guru dan pustakawan memanfaatkan komik untuk menjangkau pembaca yang tidak antusias atau takut. Siswa yang kesulitan dengan kata-kata tertulis sering kali mencerna perangkat sastra seperti simbolisme, tema, dan narasi dengan lebih baik ketika gambar membantu mereka.
Komik juga berguna untuk mengkomunikasikan informasi non-fiksi atau biografi. Politisi dan selebriti sering menjadi subjek. Sebuah komik biografi yang akan dirilis pada akhir tahun 2011 akan merinci kehidupan taipan Donald Trump. Penerbit yang sama, Bluewater Productions, telah memproduksi atau berencana merilis judul tentang kehidupan Barack Obama, Justin Bieber, dan Jon Stewart.
Berkat Web, Anda tidak perlu lagi mengunjungi kios koran atau toko buku komik untuk menemukan komik. Komik web adalah sebuah genre tersendiri, yang menggunakan alat digital untuk menciptakan potensi tak terbatas. Banyak seniman komik Web menyebut layar komputer sebagai kanvas tak terbatas, menampilkan karya seni dalam satu panel atau bingkai yang tak terhitung banyaknya dengan tata letak yang imajinatif.
Mungkin kanvas tak terbatas adalah ungkapan yang tepat untuk komik secara keseluruhan. Mereka telah bermetamorfosis dari yang sederhana, permulaan satu frame menjadi epos sepanjang novel, ke layar film, ke dunia online.
Mereka berhasil mengalahkan stereotip “buku lucu” dan superhero, selamat dari penindasan pemerintah, dan memenangkan hati para guru yang pernah melarang mereka mengikuti kelas bahasa Inggris. Jika semua sejarah ini bisa menjadi indikasi, komik akan terus memutar ceritanya untuk waktu yang lama.
Terima kasih khusus kepada Laura Martin dan Brian Stelfreeze atas bantuan mereka dalam artikel ini.
